Mit „Goyescas“ schuf Enrique Granados einen Klavierzyklus, der, inspiriert von den Gemälden Francisco de Goyas, beim Publikum sehr beliebt wurde. Kein Wunder, dass die Pariser Oper dem 1867 geborenen Komponisten den Auftrag erteilte, aus dem musikalischen Material seiner „Goyescas“ eine Oper zu machen.
Der Ausbruch des ersten Weltkriegs verhinderte, dass die Oper „Goyescas“ in Paris uraufgeführt werden konnte. Fertiggestellt wurde „Goyescas“ im Auftrag der New Yorker Met und dort kam das Werk, gekoppelt mit den „Pagliacci“ von Ruggiero Leoncavallo, am 28.01.1916 zur Uraufführung.
Der Erfolg für Enrique Granados war so durchschlagend, dass man ihn ins Weisse Haus einlud, was dazu führte dass Granados und sein Frau das Schiff verpassten, das sie wieder nach Europa zurückbringen sollte. Der Dampfer „Sussex“, mit dem die Eheleute dann nach Hause fahren wollten, wurde von einem deutschen U-Boot torpediert und sank. Beim Versuch von Granados, seine ertrinkende Ehefrau zu retten, kam auch er ums Leben.
Erst am 21.02.2009 fand im Stadttheater Heidelberg die deutsche Erstaufführung von „Goyescas“ von Enrique Granados statt, wie bei der Uraufführung in New York gemeinsam mit „I Pagliacci“ von Leoncavallo.
Der kleine Dreiakter dauert kaum mehr als eine Stunde. Das Stück beginnt mit einer Gruppe von Menschen, die spielerisch eine Strohpuppe immer wieder hochwerfen, wie man das auf dem Gemälde „El Pelele“ von de Goya sehen kann. Der Torero Paquiro macht den Mädchen Komplimente, ist aber schon mit Pepa liiert, was alle wissen. Da taucht Rosario auf, die ihren Liebhaber Fernando sucht. Paquiro lädt Rosario zum Laternenball ein, aber Rosario zeigt wenig Interesse an dieser Einladung. Trotzdem reagiert Fernando mit starker Eifersucht, ist er sich doch der Treue seiner Rosario alles andere als sicher. Ohne Rosario zu fragen, beschliesst Fernando, dass Rosario mit ihm den Laternenball besuchen wird.
Auf dem Laternenball provoziert der Torero Fernando, in dem er Rosario zum Tanz auffordert. Die Situation schaukelt sich hoch und die beiden Rivalen verabreden sich zum Duell.
In einem Garten treffen Rosario und Fernando ein letztes Mal aufeinander. Fernando wird im Duell von Paquiro getötet und stirbt in den Armen von Rosario.
„Goyescas“ lebt vor allem von der traditionell-spanisch gefärbten Musik. Aber auch lyrische Stücke sind da zu hören oder ansatzweise rhythmisch-moderne Momente, bei durchweg dankbaren Gesangspartien für zwei Sängerinnen und zwei Sänger.
Der Regisseur der Heidelberger Produktion, Aron Stiehl, setzt auf eine stilisierte Umsetzung der „Goyescas“. Man sieht in der Mitte der grauen Einheitsbühne quasi vier kleine Zimmer ohne Wände, „Seelenräume“ nennt Stiehl das im Programmheft. Die vier Personen sind mit sich selbst beschäftigt, ganz links Pepa, dann Paquiro im traditionellen Torerokostüm, lesend Rosario und in der Maske de Goyas Fernando beim Betrachten von Bildern.
Ganz vorne rechts lehnt die bekleidete Maya, eines der berühmtesten Bilder de Goyas, am Proszenium.
Der Chor, in unterschiedliche Grautöne gekleidet, steht zu Beginn vorne an der Rampe und bewegt sich in einer festgelegten Choreografie, ein Geschehen beschreibend, dass im Zuschauerraum imaginiert wird. Später wird der Chor hinter den „Seelenräumen“ auftauchen, immer als Masse, nicht individuell gezeichnet.
Die Handlung verläuft dann wenig schlüssig inszeniert, Stiehl beschränkt sich darauf, seinen Solist/innen ein relativ strenges Gesten- und Bewegungsrepertoire abzuverlangen, wenn er diese nicht gleich etwas hilflos auf der Szene herumstehen lässt.
Zwingender ist der Schluss des ersten Aktes, wenn Fernando vom Chor in Zeitlupe wie der „Pelele“ herumgestossen wird, überinszeniert die Zwischenspiele, wenn Fernando über das Gemälde der Maya rutschen muss, bis zu Beginn des dritten Aktes das Bild nur noch als Farbspur über einem Spiegel erkennbar ist.
Der dritte Akt erstarrt in Konvention: die beiden Liebenden sind durch einen Gazeschleier voneinander getrennt, sie bewegen sich aufeinander zu, wechseln die Position und bewegen sich wieder voneinander weg, das ist uninspiriert und langweilig.
Aron Stiehl verzichtet auf eine inszenatorische Klammer zwischen beiden Stücken. Der einzige Berührungspunkt ist der Auftrittsapplaus für den Dirigenten nach der Pause – da kommen plötzlich noch einmal die vier Solist/innen der „Goyescas“ durch den Vorhang und verbeugen sich nochmals brav.
Der Prolog der „Pagliacci“ wird von einem Tonio in einem billigen Anzug vor einem zweiten Bühnenvorhang gesungen, die Szene zeigt dann einen Bühneneingang eines nicht mehr ganz taufrischen Theaters, eine Menge von Fans wird von Polizisten mit dem Baden-Württembergischen Länderwappen auf den Jacken in Schach gehalten und eine Tafel verkündet für 23.00 Uhr „Ring-Ding“ – und wer jetzt schon an Elisabeth Volkmann und Wichart von Roell denkt, wird (leider) nicht enttäuscht werden.
Canio und seine Frau Nedda treten auf – er im Anzug, sie als Marilyn-Monroe-Imitat, Blitzlichter flammen auf, Autogramme werden gegeben, Nedda posiert für das Volk und die Journaille. Weil das Leben als Star an der Seite eines ungeliebten Mannes so grausam ist, trinkt Nedda aus einem Flachmann und wirft zwischendurch Pillen ein.
Die Szene wechselt, man befindet sich jetzt auf der Bühne des Theaters, sie ist für eine Probe vorbereitet worden, im Hintergrund erkennt man einige Stuhlreihen für das Publikum.
Weinend singt Nedda ihre Arie, Tonio bedrängt sie und wird mit Pfefferspray auf Distanz gehalten. Silvio, ein einfach gekleideter Mann, bei dem sich fragt, wie der zu dieser Frau passt (eine Frage, die auch die Regie nicht interessiert zu haben scheint), kommt dazu und in der Szene Nedda – Silvio klappt die Regie wieder vollständig weg, da wird quälend konventionelles Theater abgeliefert, das ausser Langeweile nichts zu bieten hat. Unglaubwürdig die szenische Lösung, wenn Tonio den Canio hereinführt – die beiden Liebenden hätten beide sofort bemerkt und an Flucht wäre für Silvio gar nicht zu denken gewesen, ausserdem ist Silvio für Canio recht gut zu sehen, der muss sich nicht fragen, mit wem seine Frau da zu Gange ist.
Der Vorhang geht zu und so stehen die Protagonisten vorn an der Rampe – auch Canio, der nichts weniger tut, als den Rivalen zu verfolgen, auch diese Szene zeugt von einer erschütternden Hilflosigkeit des Regisseurs.
Wenn sich der Vorhang zum „Vesti la giubba“ wieder hebt, sieht man vier Schminktische, ohne Spiegel, so dass die Gesichter der Sängerin und der Sänger gut zu sehen sind. Das ist zumindest optisch ein hübscher Einfall.
Das Schlussbild zeigt links ganz nach vorne gezogen die Zuschauerreihen und rechts auf gleicher Höhe die Bühne für die Komödie, d. h.., dass der Chor das Geschehen auf der Bühne rechts gar nicht sehen kann, aber das Publikum im Zuschauerraum den Chor genauso präsent vor sich sitzen hat, wie es das Geschehen auf der rechten Bühnenseite verfolgen kann.
Aron Stiehl zeigt nun diese Komödie im Stil von „Klimbim“ – und Silke Schwarz, die Darstellerin der Nedda, ist eine überzeugende Elisabeth Volkmann. Die Szene spielt in einem Hotelzimmer – und wird schnell mehr als nur klamottig. Der Arlecchino hat ruckzuck das Hemd aus und die Hosen unten und präsentiert sich mit männlich-markanter Brustbehaarung in einer „Superman“-Unterhose, aus der er erst mal die zwecks Vorgaukelung falscher Tatsachen hineingesteckte Banane entfernt.
Da wird sich im Kühlschrank, genauso wie im Kleiderschrank versteckt, bis endlich Opa Klimbim, Verzeihung, Canio die Bühne betritt.
Canio erschiesst seine Frau, deren Liebhaber und sich selbst. Als Tonio verkündet, dass die „Commedia“ jetzt zu Ende sei, lachen einige Heidelberger Zuschauer/innen.
Die gesamte Inszenierung ist oberflächlich, flach und nichtssagend, das Ende geradezu belanglos und beiläufig, es lässt kalt und berührt nicht. Die grauenhafte Ausreizung jedes Einfalls durch ewige Repetition schmerzhaft. Sollte Aron Stiehl der Auffassung sein, die „Pagliacci“ seien nur eine Soap-Opera, die man nicht ernstnehmen muss, dann hat seine Inszenierung das ihrige dazu getan, diesen Eindruck zu verstärken.
Gut die musikalische Seite: Cornelius Meister dirigiert sowohl beim Granados, wie bei den „Pagliacci“ ambitioniert, spannend, manchmal weitausschwingend, aber immer konzentriert, oftmals zupackend und in der Dynamik an Grenzen gehend. Das Orchester war gut aufgelegt, kleine Wackeleien waren nicht der Rede wert.
Dem Chor kam zugute, dass er oftmals vorne positioniert wurde, das ermöglicht Klangstärke und doch eine zufriedenstellende Genauigkeit – für ein Haus dieser Grösse eine beachtliche Leistung.
Gabriel Urrutia Benet sang den Tonio und den Paquiro, ein Bariton, der mitunter mächtig aufdrehen kann, der schön gestaltet und auch zu Differenzierungen fähig ist.
Silke Schwarz, die Nedda und die Rosario, zeigte schon am Ende der „Goyescas“ leichte Ermüdungserscheinungen, die sich dann in den „Pagliacci“ fortsetzten. Beide Partien sind für die Sopranistin Grenzpartien, Silke Schwarz hielt durch und bemühte sich, auch am Ende noch präsent zu bleiben.
Emilio Pons, Fernando und Peppe, überzeugte mit einem etwas grobkörnigen, stimmstarken Tenor, Sebastian Geyer, der Silvio, zuverlässig und etwas blass.
Aufhorchen liess die Pepa Jana Kurocová – ein ausdrucksstarker, intensiver und auch in der Höhe überzeugender Mezzosopran, der Heidelberg in Richtung Berlin verlassen wird.
Winfrid Mikus, der Canio, warf sich mächtig ins Zeug, sang etwas pauschal über manches in seiner Partie hinweg, verrutschte Töne inklusive.
Starker Beifall für alle Beteiligten im sehr gut besuchten Heidelberger Theater.
