Beiträge von Don_Gaiferos

Atlántida ist eine Mischung aus Oper und Oratorium, an der de Falla die letzten achtzehn Jahre seines Lebens (also bis 1946) arbeitete und die er nicht mehr vollenden konnte.
Die Textvorlage ist ein Gedicht des katalanischen Priesters Jacint Verdaguer (1845 - 1902) aus dem Jahre 1877, der als eine Gallionsfigur der Renaixença gilt, einer Bewegung, die eine Renaissance der katalanischen Kultur herbeiführen wollte. Seit 1876 arbeitete Verdaguer als Schiffsgeistlicher und bereiste die Strecke Cádiz – Havanna; diese Erfahrungen stellen eine wichtige Inspiration für Atlántida dar. Ein weiterer wichtiger Anstoß war für Verdaguer Platon, der in den Dialogen Timaios und Kritias über Atlantis schreibt.
Das epische Gedicht besteht aus einer Einleitung, zehn Gesängen und einem Finale.
Inhaltlich geht es um den Untergang von Atlantis, wodurch die meditarrane Küstenlandschaft erst entsteht, in der das Erbe von Atlantis fortlebt. Der Bogen spannt sich von den Taten des Herkules aus grauer Vorzeit, die ein alter Eremit einem gestrandeten jungen Mann erzählt, bis zum Jahr 1492, als jener Schiffbrüchige, der niemand anders als Christoph Kolumbus ist, sich aufmacht, um Amerika zu entdecken.
Es werden also vorchristliche, römische, griechische Elemente als Vorgeschichte Kataloniens aufgegriffen, die dann in der Verbreitung des christlichen Glaubens durch Kolumbus in der Neuen Welt gipfeln.
Die rätselhafte Geschichte von Atlantis hat de Falla von Kind an fasziniert. Zudem reizte ihn, dass die Textvorlage katalanisch war, zumal de Falla in dieser Region familiäre Wurzeln hatte.
Manuel de Falla unterteilt den Text in einen Prolog und drei Teile. Eine hervorragende, witzige, ausführliche Inhaltsangabe liefert Engelbert Hellen (http://www.musirony.de.tl/Atlantis.htm

PROLOG

DAS VERSUNKENE ATLANTIS

HYMNUS HISPANICUS

ERSTER TEIL:

DER BRAND DER PYRENÄEN

DER TOD DER PIRENE

HYMNE AN BARCELONA

HERAKLES UND DER DREIKÖPFIGE GERYON

CÁNTICA A L’ATLÀNTIDA

ZWEITER TEIL:

DER GARTEN DER HESPERIDEN

DIE SPIELE DER PLEJADEN

HERAKLES UND DER DRACHE

KLAGE UND TOD DER PLEJADEN

DIE ANKUNFT DES HERAKLES IN GADES

DIE STIMME DES HIMMELSBOTEN

DIE GÖTTLICHE STIMME

DIE MEERENGE VON GIBRALTAR

DIE ERSCHEINUNG DES ERZENGELS

DRITTER TEIL:

DER TRAUM DER ISABELLA

KOLUMBUS UND SEINE GEFÄHRTEN – DIE CARAVELLEN – DAS GEBET AUF DEM MEER – NACHT DER ERFÜLLUNG

Da die Partitur nicht vollendet werden konnte, wurde Ernesto Halffter mit der Vervollständigung betraut; er erhielt ein Konvolut von ca. dreihundet Seiten. Der Prolog stammt komplett von de Falla, auch der dritte Teil ist überwiegend fertig und instrumentiert. Die größten Probleme wirft der zweite Teil auf, der teilweise mehrere Versionen für manche Passagen enthält sowie Skizzen, Entwürfe, Ideen.
Engen Freunden hat de Falla zwar Atlántida ganz auf dem Klavier vorgespielt, jedoch spiegelt sich in diesem Steinbruch des Notenmaterials noch keineswegs eine endgültige, einheitliche Fassung wider. De Falla sagte, er habe zwanzig Minuten vollständig fertig komponiert, so dass man diesen Teil direkt aufführen könnte, weitere zwanzig Minuten könne er, wenn es seine Gesundheit zuließe, in kurzer Frist vollenden. Der Rest des Materials ist jedoch, wie erwähnt, nur bruchstückhaft vorhanden.
Daher fragte de Fallas Arzt auch besorgt, ob es denn nicht eine undurchführbare Aufgabe sein müsse für denjenigen, der nach de Fallas Tod das Ganze fertigstellen sollte. Der Komponist entgegnete, natürlich sei dies sehr schwierig, aber er sagte auch: "Ernesto Halffter wird es verstehen." Sechs Jahre schlummerte das Material im Nachlass, bis Manuel de Fallas Bruder Germán und seine Schwester María del Carmen die Seiten Ernesto Halffter zukommen ließen.
Dieser Schüler und Komponist de Fallas brauchte wiederum acht Jahre, bis er das Werk vollendet hatte, und schuf in den Folgejahren nach der Uraufführung 1961 mehrere abgeänderte Versionen, zuletzt 1976 (Luzerner Version). Fallas Vermächtnis wird somit auch zu seinem Meisterwerk.
Musikalisch bricht de Falla (ähnlich wie Kolumbus) zu neuen Welten auf. Er hat eine neue Klangsprache entwickelt, die modern anmutet, teilweiser sogar sperrig, dennoch von großer Schönheit und Sinnlichkeit ist, herb und rauh, allerdings auch betörende Klänge kennt, träumerisch sein kann, primitiv, roh und ungeschliffen, aber auch religiöse, hymnische Komponenten hat.
Fokloristische Elemente findet man kaum noch, volksliedartige Wurzeln sehr wohl (so ist das Lied der “Traum der Isabella” teils aus andalusischen, teils aus katalanischen Melodien komponiert.)
Besondere Bedeutung haben hier vor allem die Chorszenen, die in vielerlei Hinsicht an die Chöre der griechischen Tragödie erinnern.
Große, wuchtige Elemente wechseln mit innerlichen, zarten Passagen ab. Ein Werk von gewaltigen Dimensionen entsteht, dass in seiner Plastizität und seinem Farbreichtum eines untergegangenen Kontinentes würdig ist. Leider wird Atlántida selten aufgeführt, die Einspielungen sind kaum noch erhältlich.

Lasst uns Atlántida immer wieder hören – damit dieser Kontinent nicht erneut untergeht und im Ozean des Vergessens versinkt!

Folgende Einspielungen existieren:

Sowie ein jüngst erschienener Mitschnitt des katalonischen Rundfunks vom 27.11.2013 unter Leitung von Josep Pons aus dem Liceu. Es musizieren:
Angel Òdena, Ofèlia Sala, Gemma Coma-Alabert, David Alegret, Francisco Vas, Àlex Sanmartí, Elena Copons i Anna Tobella, entre d'altres, el Cor Vivaldi-Petits Cantors de Catalunya, el Cor Amics de l'Òpera de Girona i el Cor i l'Orquestra Simfònica del Gran Teatre del Liceu, dirigits per Josep Pons.

Einen Eindruck der Colomer - Einspielung kann man sich dank youtube bzw archive.org verschaffen:

Welche Einspielungen kennt ihr? Welche Kenntnis, welche Eindrücke habt ihr von de Fallas letztem Werk?

Danke für Eure Einschätzung, lieber Chrissy und Figarooo.

Piotr Beczala ist zumindest zutiefst enttäuscht und schreibt auf facebook:

"My last production in La Scala... I think They should engage only Italian singers ... Why I spend my time for this" schmarrn" ... Arrivederci ..."

Wie schade! Er ist ein wirklich hervorragender Tenor, und ich denke, seine Leistung wurde in der Tat nicht angemessen gewürdigt. Auch wenn ich ihn einen Tick weniger souverän fand als sonst, hat er sicherlich nicht schlecht gesungen, ganz und gar nicht. Vielmehr denke ich, dass die negativen Reaktionen mehr gegen die Produktion allgemein gerichtet war. Aufgrund der seltsamen Konzeption, die ja offensichtlich ein sehr unterkühltes Verhältnis der Protagonisten zueinander angestrebt hat, war es für ihn wohl auch schwer, nicht farblos zu wirken, zumal er dann auch noch stellenweise sonderbare Regieanweisungen umsetzen musste - und dass die Italiener Alfredo den Liebhaber und nicht Alberto den Pizzabäcker sehen wollen, liegt ja auch auf der Hand...

In dem Zusammenhang hat mich erstaunt, dass laut Aussage der Moderatorin damals ja Mirella Freni als Traviata ausgebuht wurde, bevor sie dann in London in dieser Rolle reüssieren konnte. Weiß jemand, warum Mirella Freni damals so negativ bewertet wurde vom Publikum? Hatte sie tatsächlich so schlecht gesungen? War der Nimbus von Maria Callas noch zu stark, die Zuhörerschaft noch nicht bereit für eine andere Interpretin?

Ich denke, dass sowohl CDs als auch Rundfunkmitschnitte ganz unterschiedliche Qualität aufweisen können. Die besten Rundfunkmitschnitte stehen m. E. CD-Produktionen in nichts nach. Dabei scheint es allerdings auch davon abzuhängen (ich bin auf dem Gebiet kein Experte) von welcher Rundfunkstation die Produktion ausgestrahlt wird, scheint es doch so zu sein, dass die unterschiedlichen Sender verschiedene Kompressions- und Übertragungsverfahren anwenden, die besser oder schlechter sind.
Jedenfalls habe ich viele Mitschnitte ihn hervorragender Qualität, die keine Wünsche offen lassen. Bisweilen ergibt sich ja die Möglichkeit des Vergleiches, wenn ein Rundfunkmitschnitt dann schließlich auch auf CD vorliegt, und oftmals haben sich für mich beim direkten Vergleichshören keine nennenswerten Unterschiede ergeben.

Diana Damrau fand ich vokal sehr beeindruckend, und sie hat mich mit ihrem Gesang wahrhaft berührt. Dass man diese eigentlich durchaus attraktive Frau, wie auch bei den Contes d' Hoffmann in München, dermaßen durch häßliche Kostüme verunstaltet, ist schade. Warum darf eine verführerische, attraktive Frau nicht auch einfach nur verführerisch und attraktiv sein? Warum zwängt man sie in wurstpellenartige oder sackartige Kostüme?
Hier sah sie teilweise vom Kostüm her aus wie Witwe Bolte. Dabei hat sie sehr gut gesungen.
Piotr Beczala hat nicht ganz die Strahlkraft und das Volumen bringen können, das ich von ihm gewohnt bin, jedoch fand ich es ungerechtfertigt, ihn am Ende auszubuhen.
Zeljko Lucic hat mir eigentlich auch gut gefallen; Respekt, wie er trotz Beczalas überdrehter, zappeliger Kochfreakshow noch seine Arie gemeistert hat.
Gattis Tempi haben mich stellenweise auch nicht ganz überzeugt, ansonsten fand ich seine Leistung aber durchaus ansprechend.
Dieses hektische Gemüsegeschnippel fand ich auch eher unfreiwillig komisch; dieser und ähnliche Regieeinfälle trugen meines Erachtens nicht. Zwar fand ich manche Elemente der Konzeption im Bereich der Personencharakterisierung durchaus interessant und unkonventionell, vieles, allzu vieles erschien mir jedoch halbgar, hölzern und abstrus. Schade, eine verpasste Chance.
Und die bereits erwähnte clowneske Kostümierung, die irgendeine disparate Mischung unterschiedlicher Zeitepochen darstellte, hat mich ebenfalls gestört.
Jedenfalls war die Missfallenskundgebung des Publikums nicht zu überhören, aber dennoch werde ich mir diese Traviata bestimmt noch öfter anhören.

Ich besitze eine Schallplatte, auf der er singt, mit dem Titel "Das waren noch Zeiten", Polydor Katalog Nr 2459018
Er singt, wunderschön "Tausend rote Rosen blühen" aus dem Film "Ein Walzer für Dich".

Der einführende Text, der auf der LP abgedruckt ist, informiert, ich zitiere:

"Vom Baß zum Tenor - fast ein medizinisches Wunder.

Eigentlich sollte der Engländer mit französischen Namen Louis Graveure Architekt wie sein Vater werden, doch in der Jugendzeit wurde man auf seine Stimme aufmerksam und ließ ihn bei den besten Lehrern Europas ausbilden.
Schon als 25jähriger hatte Graveure einen guten Namen als Bassist, als er an Diphterie erkrankte und seine Stimme durch die Schwächung der Stimmbänder verlor. Louis Graveure versuchte, sich in Südafrika eine Existenz aufzubauen, kehrte bald nach London zurück, wo er sich als Polizeiboxlehrer durchschlug. Schließlich wanderte er nach Kanada aus - und die reine, trockene Luft des Landes zusammen mit einem arktischen Winter befreite seine Stimme von den Spuren der Krankheit und ließ schöner erklingen als zuvor.
In New York sprang Graveure für einen erkrankten Kollegen ein - als Bariton!- und wurde über Nacht berühmt. Nach vielen Konzertreisen widmete er sich seiner Gesangsschule in Detroit und die ständige Beschäftigung mit Arien und Liedern für Tenöre, Altistinnen und Sopranistinnen ließ ihn schließlich zum Tenor werden.
In der Zeit zwischen den Weltkriegen kam Louis Graveure nach Deutschland, wo er als Opernsänger erfolgreich debütierte. Lange Zeit hielt er sich abwechselnd in London und Berlin auf, bis er sich auf Tonfilme spezialisierte. In Filmen wie "Es gibt nur eine Liebe" "Ein Walzer für Dich" und "Ein Lied klagt an" wurde seine schöne Stimme unzähligen Musik- und Filmfreunden bekannt."

In der Tat, eine schillernde Persönlichkeit, wie es scheint.

Viele Grüße

Maria Callas sang in einer eigenen Liga; bis auf den heutigen Tag hat sie für mich unangefochten einen Ausnahmerang inne, den ich, notdürftig nach Worten und Bildern suchend, versuche, hier zu skizzieren: dabei geht es lediglich um meine höchst subjektiven Empfindungen, die ganz sicher äußerst anfechtbar sind und keinerlei Gültigkeitsanspruch allgemeiner Art besitzen.
Maria Callas hatte vielleicht nicht die "Engelsstimme" einer Tebaldi, nicht diese "dolcezza", wie man sie anderen Sängerinnen attestierte.
Aber sie hatte etwas viel wichtigeres: echte, authentische Persönlichkeit (und damit meine ich nicht das Image der Diva, das in allen möglichen Spielarten ausgefaltet wurde), sondern die des ungekünstelten und innigst empfindenden Menschen, kompromisslos und aufopferungsvoll, wenn es um künstlerische Wahrheit ging, die für sie zu einer existentiellen Angelegenheit auf Leben und Tod wurde.
Sie hat, nach meinem Empfinden, mehr Seele in ihre Stimme gelegt als jede andere. Dadurch hat sie eine Expressivität gewonnen, die wahrhaftig ist, nein mehr noch, die WAHR ist.
Dort, wo andere aufgehört haben, hat sie angefangen. Sie hat eine Originalität, eine Souveränität der Stimmbeherrschung erlangt, die auf dem Zenit völlig frei von allen Beschränkungen war. Selbst als die Stimme Spuren des, nein nicht lediglich des Alters, nicht lediglich der Abnutzung, sondern der geballten Lebenswucht an sich kaum mehr verleugnen konnte, fügte dies ihrer Palette nur noch mehr Farbschattierungen hinzu.
Sie stieß in Dimensionen der künstlerischen Durchdringung ihrer Partien vor, die nur ganz wenigen, großartigen Künstlern vorbehalten ist. Sie musste nicht schön singen, nicht technisch perfekt, sie musste keinen Regeln und Konventionen folgen, sie musste nur ihre eigene, unverwechselbare Persönlichkeit in die Musik legen - was bei anderen nur mit viel Arbeit und Mühe möglich ist und dann oft aufgesetzt und effektheischend klingt - bei ihr war dies in den besten Momenten dermaßen stimmig und machtvoll, dass man darüber etwaige technische oder stimmliche Mängel gar nicht mehr als bedeutsam empfand.

So ging bzw. geht es mir mit ihr. Mit den Jahren schneidet sich ihr Gesang immer tiefer und unauslöschlicher in mich ein, sie prägt mich, imprägniert mich mit ihrer Aura, mit ihrem unauslotbaren, undefinierbaren Klang, der vielleicht nicht direkt schön ist, dafür jedoch umso mitreißender, überwältigender, nuancenreicher, emotionsgeladener - man vergleiche einen seichten Teich voller Goldfische mit einem aufgepeitschten Ozean voller Haie, Korallen und Schwärme von Seefischen - so mutet mir die Callas im Vergleich zu den allermeisten ihrer Kolleginnen an.

Liebe Maria Callas, ein Faszinosum, das immer wieder zutiefst verstört und beglückt... ihrer Fährte zu folgen, ohne ihr je wirklich auf die Spur zu kommen, ist eine herrliche Abenteuerreise zu den Wurzeln menschlicher Existenz und zur den verborgensten Quellen künstlerischer Inspiration. Eine nie endende Lebensaufgabe. Wie unermesslich tief kann Kunst in höchster Vollendung doch sein.

Wie viel mehr als Klang war ihr Gesang.

Danke, Maria Callas. Ich hoffe, bei all dem Glück, dass Sie auslösten, waren Sie selber auch letzten Endes - irgendwie glücklich?

In liebevollem, hochachtungsvollen Gedenken

Don Gaiferos

[align=justify]der Gedanken, neue Threads zu starten, um dem Bedürfnis Rechnung zu tragen, auch in modifizierter Personenkonstallation Standardwerke zu erörtern, ohne Hunderte von Threads durchforsten zu müssen, erscheint mir nach wie vor sehr gut.
Der Grund, warum ich mich zu manchen Threads nicht äußere, ist, dass ich bei vielen Werken in der Tat keine Aufnahme habe, die jünger als 2000 wäre; und wenn, dann lausche ich diesen Neuaufnahmen eher im Radio.
Das soll nicht heißen, dass bei mir nur Caruso und Furtwängler zu Ehren kommen, oder nur Stereoaufnahmen der 50er Jahre, aber ich habe z. B. viele Aufnahmen aus den 90ern, die dann durch das Raster fallen.
Von daher möchte ich empfehlen, bei Threads, die wenig frequentiert sind, von der Grenzmarke 2000 auf 1990 herunterzugehen.

viele Grüße

Ich möchte eine Einschätzung dieser Einspielung vornehmen, auch wenn sie bereits von William überaus kenntnisreich und treffend besprochen worden ist. Jedoch denke ich, dass es nicht schadet, noch einmal auf diese in meinen Augen überaus gelungene, hörenswerte Einspielung hinzuweisen.
Ich habe auch die Sonate mit der Partitur in der Hand verfolgt, was ich sonst eher selten tue, um dem Geschehen besser folgen und mich dezidierter äußern zu können.

Bereits im ersten Satz legt Alfredo Perl ein gehöriges Tempo für das allegro con brio vor, wobei unter seinen Händen diese rasanten Läufe dermaßen brilliant, mühelos und geschmeidig klingen, dass es eine wahre Freude ist. Fein ziseliert und konturscharf, dennoch immer fließend und große Bögen spannend, kontrastiert die Melodie mit den wummernden und hämmernden Bassfiguren, die immer wieder eingeworfen werden. Wie er trotz aller Virtuosität immer einen ungeheuer schönen, sanglichen Klang erzeugt, ist dabei einfach superb.

Auch die sich anschließenden langsamen Passagen des dolce e molto legato werden unendlich sachte und behutsam zum Leben erweckt, Alfredo Perl liebkost jede Melodie, die er zu sanfter Blüte erweckt und zahllose kostbare Momente aneinanderreiht.

Auch in den nachfolgenden, lebhafteren Teilen verliert Alfredo Perl nichts von seinem Schwung und seiner Spielfreude, seiner feinen Dosierung kraftvoller und verhaltener Momente.

Alles in allem auch eine klangtechnisch hervorragende, sehr beglückende Aufnahme.