Beiträge von Don_Gaiferos

Ich habe Deinen Text ebenfalls mit Gewinn gelesen, lieber Helmut, und freue mich auch und bedanke mich, dass Du ihn wieder eingestellt hast.

Lieber Klaus,
ich habe Deine Würdigung von Mozarts Klavierkonzert sehr gerne gelesen und finde sie äußerst zutreffend. Ebenso höre ich die Einspielung mit Bilson und Gardiner sehr gerne, finde jedoch auch, dass teilweise das Orchester Gefahr läuft, den vergleichsweise filigranen Klang des fortepianos zu überdecken. Dies liegt wohl bis zu einem gewissen Grad in der Natur der Sache, allerdings hätte man da bei einer Studioaufnahme doch noch eine etwas bessere Balance hinbekommen können. Dies ist jedoch nur ein Detail, insgesamt überzeugt mich die Aufnahme auch durch ihr beseeltes, schwungvolles Spiel und ihre ansonsten sehr gute Klangqualität.

Sehr gelungen finde ich auch die Kadenz im dritten Satz, die von Malcolm Bilson selbst stammt, und die sich stimmig in das Konzert einfügt. Beim Werbepartner findet sich leider die 9 CD - Ausgabe nur noch als vergriffen, derzeit wäre, wenn man nicht auf andere Bezugsquellen ausweichen will, nur noch diese monumentale Box verfügbar:

Ich würde für Spanien unbedingt Paco de Lucía ins Spiel bringen. Einerseits ist er der Inbegriff des spanischen Flamencogitarristen; andererseits hat er aber auch den Flamenco weiterentwickelt; er hat auch Klassisches auf der Gitarre gespielt, wie die Werke de Fallas oder Joaquín Rodrigos, in seinem ganz eigenen Stil; manche würden ihn in der Tat auch irgendwo im Jazz verorten (der ja hier nicht vorkommen soll), manchmal wird er auch unter Weltmusik eingeordnet; jedenfalls entzieht er sich bis zu einem gewissen Grad allen Klassifizierungen, und seine Musik berührt die Menschen universal, weit über Landes-, Kultur- und Genregrenzen hinaus.

Aufregend diese relativ neue Erscheinung auf dem Plattenmarkt: ein Mitschnitt, der erst nach 40 Jahren aufgetaucht ist - die Fortsetzung von "Friday Night in San Francisco", bei dem er mit Al di Meola und John LcLaughlin ein fulminantes, bahnbrechendes Album eingespielt hat. Am darauffolgenden Samstag haben die drei am selben Ort konzertiert, und niemand ging davon aus, dass auch wieder mitgeschnitten wird. Jetzt ist die Einspielung jedoch wieder aufgefunden und publiziert worden - ein Meilenstein für jeden Musik- und Gitarrenfreund:

Ich habe nochmals begonnen, die von Herbert Schaefer bzw. Greghauser dankenswerterweise zugänglich gemachten Aufnahmen zu hören.

Ich habe meinen Streifzug mit der Szenenfolge aus TOSCA begonnen, Teile aus einem Mitschnitt aus dem Jahr 1976 aus Regensburg. Die Oper wurde auf Deutsch gesungen. Folgende Szenen bzw. Ausstücke sind in dem VIdeo enthalten:

"Und koste es mein Leben!" (La vita mia costasse ti salveró...)

Hier verspricht Cavaradossi, den aus der Gefängnishaft geflohenen Angelotti zu retten, notfalls unter Einsatz seines Lebens. Herbert trumpft hier mit einem sehr hellen, jugendlich klingenden Timbre auf (was m. E. sehr gut zur Rolle des Malers Cavaradossi passt). Herbert erinnert mich von seiner Stimmfarbe und der leuchtenden Tessitur her ein wenig an Giorgio Lamberti. Herbert geht hier volles Risiko, singt die sich machtvoll, trotzig aufschwingende Phrase mit sehr offener Tongebung, strahlender, sicherer Höhe, die dem dramatischen Geschehen in beeindruckender Weise Rechnung trägt. Hier schweigt auch das Orchester, so dass es keine Möglichkeit gibt, sich hier zu "verstecken"; die Passage wird jedoch sehr souverän und durchschlagskräftig gemeistert.

"Floria? Geliebter!"

Hier kann Herbert Schaefer zeigen, dass er auch über den lyrischen Schmelz verfügt, der für die zarten, schwärmerischen Momente notwendig ist. Auch im mezzoforte bzw. piano trägt die Stimme gut. Angenehm auch die klare Diktion, die gute Textverständlichkeit garantiert. Auch der darauf folgende Ausbruch gelingt wiederum sehr überzeugend, lediglich getrübt durch die Tatsache, dass Savino Hara (die ansonsten sehr schön singt) leider das Mikrofon etwas zum Übersteuern bringt (ansonsten ist die Klangqualität für so einen alten Live-Mitschnitt wirklich gut.)

"Die schönen Hände"

bieten dann wieder lyrische Momente von großer Schönheit, die sich in langen, melodischen Linien aufschwingen. Auch hier zeigt sich Cavaradossi abwechselnd als einfühlsamer Liebhaber mit behutsamer mezza voce, dann wieder als draufgängerischer Heißsporn mit metallischem Glanz.

"Komm und erzähl ... Trionfal!"

Auch hier werden die Stimmen von Floria Tosca und Mario Cavaradossi ganz unverstellt zur Wirkung gebracht, das Orchester trägt die beiden Protagonisten machtvoll empor, um dann abrupt zu verstummen, während die beiden a cappella weitersingen, erst heroisch-triumphierend im Aufschwung, danach sachte wieder sich abschwingend, bevor schließlich das Orchester behutsam wieder einsetzt und Glockengeläut die Szene abrundet.

Übrigens in einem anderen Thread wurde über die Instrumentierung bei Puccini gesprochen, hier ist ein schönes Beispiel gegeben, denke ich, wie das tacet im Orchester bewusst eingesetzt wird, um die Stimmen hervorzuheben, und wie zart die Schleier sind, die Puccini dann am Ende des Duetts zur Untermalung hintupft. Es ist also nicht so, dass er nur den breiten, farbenreichen, dicken Orchesterklang anwendet, sondern seine Mittel sehr differenziert einsetzt.

Bleibt festzuhalten, dass die gebotenen Ausschnitte sehr schön, mitreißendend und eindrucksvoll sind; bleibt lediglich zu bedauern, dass hier nur einen verzweifelt kurze Auswahl von wenigen Minuten vorliegt. Dank Herbert Schaefer und Savino Hara werden hier kostbare Momente geboten, und man fragt sich mit größtem Bedauern, wie wohl das "Wie sich die Bilder gleichen", "es blitzen die Sterne" und "ich lebte für die Kunst" geklungen haben mögen - ich jedenfalls hätte diesem Sängerensemble mit größtem Wohlgefallen und Interesse noch stundenlang zuhören können.

Zu Carlo Maria Giulini schreibt Kai Uwe Diaz Philipp:

Zitat

Dabei war Giulinis Repertoirewahl stets eigentümlich selektiv. Geprägt durch eine strenge Ausbildung besaß eine Abneigung gegenüber Allem, was knallig-direkt, was auf irgendeine Weise unter Vulgaritätsverdacht stehen könnte. Darunter fiel für ihn beispielsweise der ganze Puccini, aber anfangs auch der frühe oder mittlere Verdi.

https://www.klassikakzente.de/…on-und-leidenschaft-67119

Lieber Herbert,

ja, Du hast Recht, dazu werde ich mich noch äußern, habe noch gar nicht alles hören können, da ich mit meiner Frau ein paar Tage verreist war. Aber was ich gehört habe bisher, ist auch wirklich grandios! Auch Dir noch alles Gute im Neuen Jahr! Hier ist auch schon der Thread, den ich für Dich eingerichtet habe:

d' Albert, Eugen: Der Golem

EUGEN d'ALBERT: DER GOLEM

Liebe Musikfreunde,

Herbert Schaefer hat auf diese wenig bekannte Oper aufmerksam gemacht, immerhin hat er sogar selbst in mehreren Aufführungen mitgewirkt - und damit mein Interesse geweckt. Grund genug, diesen Thread einzurichten.

Anders, als der Name EUGEN d' ALBERT (1864 - 1932) vermuten ließe, ist der Komponist nicht (nur) französischer Abstammung, sondern wurde tatsächlich in Glasgow geboren. Daher blickt er auf britische, französische und schweizerische Wurzeln zurück.
Sein Vater Charles d' Albert, ebenfalls Komponist, war in Deutschland geboren worden als Kind englischer und französischer Eltern. Alles in allem eine bunte Mischung; dabei zählen sogar italienische Komponisten (Alberti) zu seinen Vorfahren. Wikipedia erläutert:

Zitat

"D’Albert besaß bis 1918 die britische Staatsbürgerschaft und nahm dann die schweizerische an. Zeitweise lebte er in Lugano. Er fühlte sich jedoch Deutschland verbunden, beherrschte die deutsche Sprache, vertonte ausschließlich deutsche Texte und bevorzugte die deutsche Form seines Vornamens."

https://de.wikipedia.org/wiki/Eugen_d%E2%80%99Albert

Der Komponist schrieb nicht weniger als 21 Opern, von denen "Tiefland" der mit Abstand größte Erfolg war, es gibt einen ausführlichen Thread dazu hier im Forum:

"Tiefland" von d'Albert - ein deutscher Beitrag zum Verismo

Der Golem wurde 1926 in Frankfurt uraufgeführt, auch hier verfügt wikipedia über einen eigenen Artikel, der recht ausführlich ist und auch die Handlung detailliert darstellt:

https://de.wikipedia.org/wiki/Der_Golem_(Oper)

Wer sich die Oper in Gänze zu Gemüte führen will, kann dies unter anderem auf youtube tun:

Was haltet ihr von dieser Oper? Habt ihr sie schon einmal gesehen oder gehört? Vergessenes Juwel oder zurecht selten gespielt?

Lieber Herbert,

kein Problem, ich kümmere mich darum und eröffne einen Thread für Dich zum Golem von d'Albert.

Zitat von Alfred_Schmidt

Aufgefallen ist mir, daß Welser Möst besonders bejubelt wurde - subjektiv gesehen mehr als erwartet.

Ich war mit meiner Frau im Wagen unterwegs und wir haben es "nur" per Autoradio gehört; ich werde es mir baldigst nochmals in Gänze ansehen und anhören; jedenfalls waren wir beide sehr positiv angetan. Ich hatte meine Erwartungen eher niedrig gehalten, zumal bei den letzten beiden Konzerten, die Franz Welser-Möst dirigiert hat, öfters die Prädikate wie "langweilig", "farblos" und "uninspiriert" zu hören waren - hier fand ich jedoch, dass er seine Sache ganz ausgezeichnet gemacht hat; auch die Auswahl der Stücke hat mir sehr gut gefallen, da gab es viele Entdeckungen für mich zu machen.

Hallo Thomas,


schau doch mal hier, da findest Du alles, was weder Jazz noch Klassik ist, dort gibt es viele interessante Entdeckungen zu machen:

Not Jazz or Classic, aber trotzdem gerne gerade gehört

Außerdem gibt es auch noch das Jazz-Forum:

https://www.tamino-klassikforum.at/index.php?board/72-jazzforum-allgemeine-themen/

Prost Neujahr, lieber Alfred, alles Gute im neuen Jahr für dich und alle anderen Musikfreunde!

Ich wünsche allen Musikfreunden Frohe Weihnachten und ein friedvolles, besinnliches Fest.

In diesem Zusammenhang stelle ich mir folgende Fragen:

Geht man davon aus, dass der Künstler, bzw. das Regieteam keinerlei objektive Verpflichtungen hat "von außen", also keinerlei Prinzipien und Leitlinien, weder durch Komponisten und Librettisten, denen es zu folgen gilt, so stellen sich mir dennoch folgende Fragen:

-auch, wenn der Regisseur in vollkommener, autonomer Freiheit arbeitet, wirkt er ja nicht im "luftleeren Raum" - inwiefern spielt da die eigene Biographie eine Rolle, die Rezeptionsgeschichte, die Wechselwirkungen im Austausch mit anderen? Welche Einflüsse lässt man gelten, und welche versucht man, auszuschließen? Geht das überhaupt, vollkommen frei und unvoreingenommen zu sein, wie ein leeres Blatt? Hindern die Erfahrungen und die Kenntnisse, die man hat, am Ende sogar manchmal, wenn es darum geht, neue Perspektiven zu entwickeln?

-fängt man bei jedem Werk, das man inszeniert, quasi wieder "bei null" an, um es möglichst unvoreingenommen neu entdecken zu können? Ist das überhaupt möglich?

-Hat man bei seiner Arbeit das Publikum im Blick, dem man das Werk vermitteln will, oder geht man ganz auf sich selbst und seine ureigenste, individuelle Empfindung zurück und bietet diese dann dem Publikum an, davon ausgehend, dass die eigene Lesart dann auch für andere relevant ist?

-Welche Kompromisse und Zugeständnisse muss man eingehen, die ggf. die individuelle, freie Umsetzung des Werkes nach dem eigenen Verständnis erschweren?

Notabene, dies sind tatsächliche Fragen und sollen kleinerlei Wertungen, Kritik oder Urteile beinhalten; mich würde ganz pragmatisch interessieren, wie man da als Regisseur vorgeht - wobei ich mir vorstellen könnte, dass es da wahrscheinlich auch keine allgemeingültigen Antworten gibt.

Aus meiner Sicht läuft die ganze Diskussion vor allem auf folgende Frage hinaus:

Muss man versuchen, ein Werk so aufzuführen, wie es dem Wunsch des Komponisten entspricht, oder darf man auch davon abweichen?

Ich bin der Meinung: ja, man darf und kann davon abweichen - und Werner hat auch plausibel dargelegt, wann das gut und sogar notwendig ist, um das Stück überhaupt noch angemessen zeigen zu können.

Das muss ja kein Automatismus sein! Sicherlich kann man auch in vielen Fällen ein tolles Ergebnis erreichen, wenn man sich genau nach den Vorgaben richtet; allerdings muss die künstlerische Freiheit meines Erachtens über allen anderen Erwägungen stehen.

Auch ich finde viele moderne Aufführungen, die nur noch eine entkernte Fassung eines Stückes zeigen, missraten und beziehe keinerlei Gewinn daraus; allerdings muss man da den Einzelfall betrachten, und es gibt sicher auch viele avantgardistische Inszenierungen, die weitaus spannender sind als der Rückgriff auf Mottenkiste und Flügelhelm.

Fazit: die VERPFLICHTUNG eines Künstlers, den Intentionen des Komponisten oder Librettisten zu folgen, sehe ich nicht, weder legal noch moralisch noch sonstwie; dies ist allenfalls eine SELBSTVERPFLICHTUNG, die er sich auferlegen kann.

Ansonsten denke ich schon, dass in alle Richtungen gedacht und auch in alle Richtungen inszeniert werden soll, auch wenn man sich dann selbst, seinen Vorlieben gemäß, die ein- oder andere Aufführung auswählt.

Was Werner schildert, dass man versucht, ihn am Arbeiten zu hindern, einzuschüchtern, zu beschimpfen etc. halte ich in einem demokratischen, pluralistischen Staat für ein absolutes Unding, das darf es nicht geben, das ist völlig unmöglich. Das Theater und auch das Musiktheater bedarf der Freiheit, um auch mal aufzurütteln, zu kritisieren, den Finger in die Wunde zu legen, das empfinde ich als eine wichtige Aufgabe.

Zitat von Werner Hintze

Denn ein Ansatz ist mit Sicherheit nicht legitim: der nämlich, der als als absolut richtig und einzig akzeptabler gesetzt wird, und der mit der Forderung verbunden ist, dass sich alle (Künstler und Rezipienten) an ihn zu halten haben, weil alles andere moralisch verwerflich ist.

Da bin ich völlig deiner Meinung; die Freiheit der Kunst schließt für mich auch die Freiheit der Interpretation ein; dazu gehört für mich auch, dass ich sehr dafür bin, dass Regiearbeiten gezeigt werden, die meinem persönlichen Interpretationsansatz völlig zuwiderlaufen und die ich mir daher persönlich nicht ansehen würde; dennoch finde ich es gut und richtig, dass sie existieren, begleitet von solchen Diskussionen, wie sie hier in dieser Form geführt werden, das halte ich für erhellend und produktiv.

Der Versuch, mit Beschimpfungen, Rechtsanwälten und Drohungen seine persönliche Auffassung durchzusetzen, halte ich für einen Mangel an Toleranz. Auch, wenn ich Gedichte verfasse und publiziere, nehme ich ja in Kauf, dass Menschen andere Gedanken beim Lesen habe als ich beim Schreiben, im Gegenteil, ich halte das sogar für bereichernd, wenn jemand etwas anderes darin sieht als das, was ich beim Verfassen im Sinn hatte; dies läuft dann meiner eigenen Interpretation nicht zuwider, sondern ergänzt und bereichert sie.

Ich möchte gerne einen Vergleich in die Diskussion einbringen, der vielleicht hilft, und zwar wenn man an einen Jazzmusiker und Klassikinterpreten denkt (wohl wissend, dass es da auch Überschneidungen gibt).

1. Der Jazzmusiker, wird ein vorhandenes Thema nehmen, und wird dann darüber improvisieren, es beliebig ausgestalten, verzieren, umkehren, durch alle Tonarten jagen, es langsamer, schneller, mit verändertem Rhythmus spielen - und kann dabei ein Ergebnis erzielen, das begeistert.

2. Ein Klassikinterpret spielt eine Sonate: er gibt alle Töne wieder, die in seinen Noten stehen, bemüht sich, die Tampoangaben umzusetzen und all das einzubringen, was er über die Musik und ihre Entstehungsbedingungen weiß; er wird seine eigene Interpretation dort einbringen, versuchen, die eigene Akzente zu setzen, Nuancen zu verändern, Phrasierungen vorzunehmen, die ihm sinnvoll erscheinen - und doch wird jede Note spielen, die er in der Partitur hat. Auch das kann begeistern.

3. Nächster Fall: ein Komponist hat ein Konzert vorgelegt, in dem es bewusst Raum gibt zum Improvisieren; dort werden also explizit Kadenzen verlangt. Man kann also das Konzert nur bis zu einem gewissen Punkt Note für Note nachspielen, man gelangt dann an eine Stelle, bei der man quasi, wie der Jazzmusiker, improvisieren muss; das wäre also eine Mischform aus 1 und 2. Ergebnis: ebenso begeisterungswürdig.

Wie ist das jetzt beim Libretto? Ist dies eine Vorlage, die nur die Eckpfeiler vorgibt, innerhalb derer man aber frei improvisieren kann, wie im Fall 1 der Jazzmusiker?
Oder ist es wie in Fall 2, dass das Libretto möglichst Buchstabe für Buchstabe umgesetzt werden muss, trotz aller subjektiven Spielräume?

Oder ist es wie im Fall 3, dass es Teile des Librettos gibt, die nicht verändert werden dürfen, während andere Teile Leerstellen bieten, die man beliebig nach eigenem Empfinden auffüllen darf?

Diese Frage kann man sicher nicht generell beantworten, und auch jeder Librettist und Komponist hat da ein anderes Selbstverständnis gehabt; in manchen Epochen war es gang und gäbe, Dinge zu verändern, zu vermischen, zu adaptieren, ohne dass man auch nur so etwas wie Urheberrecht kannte; dann gibt es aber auch den Komponisten oder Librettisten, der nicht ein Iota an dem geändert sehen möchte, was in Libretto und Partitur steht.

Ich denke, in keinem der drei Fälle gibt es so etwas wie absolute Objektivität oder Werktreue, den subjektiven Interpretationsansatz kann man nie vollkommen ausblenden, und das ist auch gut so, sonst müsste man ein Werk nur einmal "mustergültig" aufzeichnen, und dann wäre jede andere Interpretation überflüssig.

Das bedeutet also für mich, dass der Interpret, der Regisseur, alle Beteiligten an der Aufführung ihren Spielraum (ihren Spiel-Raum) immer wieder neu ausloten müssen, um zu sehen, ob er enger oder weiter gefasst wird. Eine Verpflichtung sehe ich da auch nicht, das ist ein Problem, das von vielen Faktoren abhängt, wie der Regisseur sich selbst sieht und wie er das Werk versteht. Wichtig dabei finde ich nur, dass man entsprechend kommuniziert, ob man eher "Jazz " oder "Klassik" in seiner Deutung zugrunde legt, oder eine Mischform, damit das Publikum entsprechend entscheiden kann, ob es das Resultat gerne sehen möchte oder nicht. Dabei ist es ja auch so, dass es meistens Einführungen durch das Regieteam, Vorabberichte, Rezensionen etc. gibt, so dass man eigentlich schon im Vorfeld Enttäuschungen vermeiden kann; so halte ich es zumindest. Wenn ich ein Buch kaufe, lese ich ja auch erst einmal den Klappentext, und wenn es mir wichtig ist, dass Aida in Ägypten spielt zur Pharaonenzeit und nicht in einem modernen Setting, kann ich das in aller Regel auch problemlos in Erfahrung bringen.

Aber möglich und legitim sind alle Ansätze, und sie alle haben ihre Anhänger - das macht das Leben bunt und vielfältig, und das ist gut so.

Lieber Herbert, lieber Greghauser,

ganz großen Dank für Eure "Gemeinschaftsproduktion"! Toll, lieber Herbert, dass Du die Aufnahmen zur Verfügung gestellt hast, und diese Bravourarie ist wirklich ein großartiges Zeugnis, das ist mit Verve, Schmelz und Temperament gesungen, top!

Wunderbar auch, lieber Greghauser, dass Du Deinen Kanal, der eine Fundgrube für Stimmen darstellt, um Herberts Aufnahmen bereicherst und somit auch für andere Musikfreunde zugänglich machst; ich freue mich sehr auf weitere Aufnahmen.

Sehr sympathisch auch das Foto mit Herbert, das Du an den Anfang des Videos gestellt hast - prima, weiter so, die Herren! Ich warte freudig auf alles, was da noch kommt.

Wunderschön und blitzsauber gespielt: Georg Muffats "Concerti grossi" 1-6, die italienische und französische Musiktraditionen miteinander vereinen:

Hier wird noch gebrucknert, bevor ich mich dann zur Nachtruhe begebe; die 6. Sinfonie, die "Romantische", ertönt unter dem sachkundigen Dirigat von Stanislaw Skrowaczewski, dargeboten vom hier in der Nähe ansässigen Saarbrücker Radiosymphonie-Orchester; vielleicht die erfolgreichste Aufnahme dieses Klangkörpers, und sicherlich ein Highlight der gesamten Bruckner-Diskographie.

Hui, die lieben Musikfreunde sind alle großsymphonisch in der Romantik oder in der Moderne unterwegs, da setze ich etwas Älteres dagegen - die wunderschönen Symphonien von William Boyce, aufgeführt unter der Leitung von Trevor Pinnock; festlich, erhaben, verträumt; sehr schön, das habe ich lange nicht mehr gehört:

Lieber Herbert,

da gibt es überhaupt nichts im Boden zu versinken - kein Instrument ist sensibler als die menschliche Stimme! Und gemessen an den vielen, vielen Abenden und schönen Stunden, die Du den Menschen über Jahre und Jahrzehnte geschenkt hat, bis hin zu den Aufnahmen, über die wir uns ja immer noch sehr erfreuen und gerne hören, obwohl Du die Karriere schon längst beendet hast - gemessen daran fällt der ein- oder andere Patzer nicht ins Gewicht. Und für das live-Erlebnis, mit allen Risiken und mit allem, was dazu gehört, nehme ich gerne den ein - oder anderen Ton, der daneben geht, in Kauf, bevor wir alle nur noch als seelenlose Roboter glattgebügelte und totgeschliffene Aufnahmen aus der Retorte hören.

Schade, dass da nicht noch mehr online gestellt worden ist, aber ich verstehe auch, dass die rechtliche Seite sehr schwierig ist - da müsste ja jeder beteiligte Künstler theoretisch sein Zustimmung geben, es sei denn, die Aufnahme ist so alt, dass sie rechtefrei ist.

Wie auch immer, herzliche Grüße und alles Gute,

viele Grüße

Boris

Hier erklingen derzeit Beethoven Symphonien, Nr. 1 und Nr. 6. Die Aufnahmen stammen aus dem Hause Naxos und das Orchester spielt unter der Leitung von Bela Drahos einen sehr ausgewogenen, hörenswerten Beethoven. Fazit: es müssen nicht immer die Spitzenorchester und weltberühmten Dirigenten sein, die Nicolaus Esterhazy Sinfonia bereitet ebenfalls großes Hörvergnügen.

Also, die Fortepiano-Aufnahme mit Tobias Koch, die Christian Köhn verlinkt hat, finde ich unglaublich spannend und faszinierend - so habe ich das noch nie gehört, allein, was da im Bass passiert, das ist schon sehr beeindruckend, das ist ein Klangcharakter mit Charakter....danke für's Einstellen!

Lieber Herbert,

schön, mal wieder von Dir zu lesen, und ganz herzlichen Dank an Dich bzw. an den Bekannten, der den Rossini eingestellt hat - das ist wirklich ganz wundervoll! Strahlend, federnd, dynamisch, und das in wirklich guter Aufnahmequalität - ein wahres Fest! Ich lausche mit größter Freude.

Viele Grüße

Boris

Lieber Christian,

vielen Dank für diese hochinteressante Einführung, obwohl ich schon einiges von Schubert kenne, ist mir diese Komposition unbekannt, und ich werde mich schleunigst daran begeben, mir eine Aufnahme davon zu suchen bzw mal im Archiv zu wühlen.

Anmerkung Moderation: Ich habe die letzten zwei Beiträge in diesen Thread zusammengeführt und angepasst, weil er bereits zu diesem Werk besteht. Deinen Beitrag habe ich um den Link auf diesen bestehenden leicht gekürzt. Ich denke, es ist in eurem Sinne.

Mit herzlichem Gruss moderato

Lieber Nemorino,

auf youtube findet sich eine Überspielung, die ebenfalls 1952 als Datum nennt:

Ein kundiger Kommentator weist auch darauf hin, dass dieses das Konzert gewesen sei, in dem Paul Badura-Skoda Furtwängler davon überzeugen konnte, ihn seine eigene Kadenz im dritten Satz erstmalig spielen zu lassen.

Das ist gar nicht schlimm, lieber Nemorino. Ich nutze die Gelegenheit, um auch ein Video einzustellen, das es erlaubt, die markante, samtige, volle Baritonstimme zu hören:

Zitat von nemorino

.... habe ich auch mal gedacht, bis mir die Aufnahme von Otto Klemperer (EMI) zu Ohren kam!

LG Nemorino

Lieber Nemorino,

das ist sicherlich eine sehr hörenswerte Einspielung, wobei ich gestehen muss, dass sie mir am Anfang fast schon einen Tick zu schnell dirigiert ist, ansonsten aber schon sehr transparent, deutlich, ausgewogen, eine durchaus sehr gute Wahl, keine Frage.

danke für den Hinweis, lieber Joseph, bliebe dann noch der Vergleich zu der Böhm CD-Aufnahme. Vielleicht kann Alfred da auch helfen und seine Eindrücke schildern.

Lieber Alfred

da möchte ich dich unbedingt in deinem Vorsatz bestärken - gerade Karl Böhm macht das hier meisterhaft! Er bleibt zwar der nervösen, unruhigen, dramatischen Seite dieser Komposition nichts schuldig, allerdings wird die Musik unter seiner Hand nie spitz, abgehetzt oder schrill. In Gegenteil, er lässt eine Sanglichkeit und Zurücknahme mit einfließen, die den aufwühlenden, aufgewühlten Charakter der Musik nicht etwa überdeckt, sondern umso stärker hervorhebt. Hör nur selbst: