Eigenes

Ich gebe die verschiedenen Fassungen dieses Gedichts "Nänie" von klingsor hier einmal wieder:

Erste Fassung:
... Auf einer Urne
Worte Atem angerissen
und zwei Linien traumgeführt
dann Ton ein Griffel
handverwittert
und Staub und Seelen
halbbemalt ...

Zweite Fassung:
auf einer Urne
zwei Linien
angerissen
Leben
rot-
und traumgeführt
Staublicht
Griffel
handverwittert
bloß Ton
und Seelen
halbvermalt

Dritte Fassung:
auf einer Urne
zwei Linien
angerissen
Leben
schwarz-
und lehmgeführt
Staublicht
Griffel
handverwittert
Ton
und Seelen
halbvermalt

Verschiedene Fassungen eines Gedichts zu vergleichen, das war immer schon eine meiner Leidenschaften, - so wie auch verschiedene Fassungen eines Kunstliedes. Warum? Man kann wunderschön erkennen, wie sprachliche Lyrik oder musikalische entsteht. Und wie entsteht sie: Durch Reduktion der Metaphorik – oder der Klanglichkeit - auf das Wesentliche, das den Kern der Sache Treffende.

Beim vorigen Gedicht , „Nachtgebet“, hatte ich da so meine Schwierigkeiten. In der ersten Fassung driften die lyrischen Bilder zu weit auseinander. Ich hätte eigentlich erwartet, dass in der hier abgedruckten „Endfassung“ eine stärkere Konzentration um den lyrischen Aussage-Kern stattgefunden hätte. War aber nicht der Fall.

Hier, bei dem lyrischen Gedicht „Nänie“ ist das anders. Aus meiner Sicht ist es vollkommen gelungen, - eben weil sich, wie im Vergleich der verschiedenen Fassungen zu erkennen, diese Reduktion der Metaphorik ereignet hat.

An einer Versgruppe möchte ich das zeigen. Bei dem Bild von den „zwei Linien“ auf der Urne bringt der Autor in der zweiten Fassung noch eine neue Dimension hinein, und zwar mit dem Wort „traumgeführt“. Das wirkt aufgesetzt, weil es ein gedanklicher Zusatz ist, der den vorgegebenen bildlichen Raum „Urne“ verlässt.

Beider Endfassung aber bleibt der Autor ganz im Bild: Jetzt sind die Linien „schwarz und lehmgeführt“. Und die nachfolgenden Verse schließen sich daran nahtlos, weil im metaphorischen Rahmen verbleibend, an: „Staublicht./ Griffel / handverwittert“.

Ja, das ist gut!

Bei meiner Fixiertheit auf den Aspekt „Entstehung eines Gedichts“ habe ich, wie mir gerade auffällt, vernachlässigt, mich interpretierend auf das Gedicht „Nänie“ einzulassen.

Das Trauerlied, was das antike Vorbild „naenia“ ja beinhaltet und von Schiller mit seinem berühmten Versen „Auch das Schöne muß sterben“ und der ebenso berühmten Vertonung durch Johannes Brahms lyrisch-sprachlich und musikalisch in maßgeblicher Weise ins Werk gesetzt wurde, wird hier zur stillen lyrischen Meditation beim Anblick einer Urne.

Sie verdichtet sich sprachlich in den Worten „Ton / und Seelen / halbvermalt“. Der Weg, der zu diesen Worten hinführt, ist in den vorangehenden Versen lyrisch-sprachlich skizziert. Die Urne weist Linien auf. Sie sind nur „angerissen“, und der Griffel, der sie in den Lehm/Ton riss, war ganz und gar „lehmgeführt“. Er konnte sich, den Namen des Verstorbenen schreibend, nicht frei bewegen. Die irdene Schwere und Zähigkeit des Lehms hemmte und hinderte ihn daran, den Namen des Toten klar und deutlich mitzuteilen.

Was herauskam und sich dem späten Blick mitteilt, ist in dem Bild „Staublicht / Griffel / handverwittert“ zum Ausdruck gebracht. Die Hand, die den Namen des Toten festhalten und ihm damit zeitliche Dauer verleihen wollte, ist in den Prozess des Zerfalls allen Lebens einbezogen worden. Über dem, was der Griffel festhalten wollte, liegt nun „Staublicht“ und Verwitterung.

Die letzten Worte stellen eine Einheit zwischen der Seele des Toten und dem Ton her, der die Asche seines Leibes birgt. Über dieser Einheit liegt das rätselhafte Wort „halbvermalt“. Was will es sagen? Dass die Seele des Toten in Gestalt Zeichen auf der Urne mit der Erde, aus der sie besteht, eine vage, eben nur halb gemalte und deshalb nicht wirklich beständige Einheit eingegangen ist?
Lyrisches Bild für Vergänglichkeit eben?
Wer weiß! Lyrik, insbesondere die moderne, liebt das evokative Rätsel

Gerade lese ich in Schillers Gedicht „Nänie“:

„Siehe! Da weinen die Götter, es weinen die Göttinnen alle,
Daß das Schöne vergeht, daß das Vollkommene stirbt.
Auch ein Klaglied zu sein im Mund der Geliebten ist herrlich;
Denn das Gemeine geht klanglos zum Orkus hinab.“

„Auch das Schöne muss sterben“, - so setzt dieses Gedicht ein. Aber am Ende mündet es in die These, dass es in der Kunst überleben und zur Unvergänglichkeit gelangen könne.
Und ich denke: Das sind vergangene Zeiten und ihr Glaube an die Möglichkeit von Dauer und Bestand, - wenn auch nur im Bereich des gleichsam idealen Seins.

Wenn ich nun klingsors Gedicht „Nänie“ lese, so begegnet mir die Gegenwart des Verständnisses von Leben und der Beständigkeit seiner Schöpfungen und Hervorbringungen.
Da sind diese Worte: „Ton / und Seelen / halbvermalt“, in die sein Gedicht mündet. Wie anders kann man sie verstehen, als dass es diese Schillersche „Unvergänglichkeit“ nicht gibt.
In den Schriftzeichen, die die Urne aufweist, sind der irdene Ton und die Seele des Toten, dessen Asche er birgt, eine „halbvermalte“ Einheit eingegangen. „Halbvermalt“. Was immer dieses rätselhafte Wort bedeuten mag, - es ist nichts Halbes und nichts Ganzes. Es ist eine lyrische Evokation von Unbeständigkeit und Vergänglichkeit.

Moritzburg

Beschwören will ich Kuppeln
und die grauen Farben
und aus den Blättern
Herzen bilden
wie ein Grab

Und Fäden wirken,
tausend Seiten binden
wie den Mond
und all’ die Schichten
von den Wolken nehmen

Doch keinen Rahmen will ich stör’n,
nur Stiche schwärzen
und uns

wie einen Augenschlag
erhör’n

Mag es das von August dem Starken erbaute Schloss Moritzburg sein, - oder welches historische Gebäude auch immer. Diese Frage ist nicht von Bedeutung, denn es geht um die lyrische Erfahrung eines Ortes, der steinerne und bildhafte Verkörperung menschlich-architektonischen und überhaupt gestaltenden Schaffens ist.

Und das Eigentümliche ist: Diese Erfahrung setzt zwar an der Gegenständlichkeit von „Kuppeln“ und „grauen Farben“ an, geht aber alsbald in naturhafte Bilder über und endet schließlich in dem „Du“, das in einem „Augenschlag“ „erhört“ wird.

Was ereignet sich da lyrisch? In der – offensichtlich nächtlichen – Erfahrung der einen Ort verkörpernden Gegenständlichkeit nimmt sich das lyrische Ich auf sich selbst zurück und schafft seine ganz eigene, aus der Realität abstrahierte Welt. Darin erweist es sich als ein genuin modernes. Es bildet, Kuppeln beschwörend, seine eigene innere Welt aus. Und aus Gebilden die es dort in der Realität wahrnimmt, werden ihm „Blätter“, die sich zu „Herzen“ formen und die Assoziation „Grab“ auslösen. Das ist, als fühle sich das Ich in die Stein gewordene Vergangenheit von ehemaligem Leben einbezogen.

Aber da ist noch Leben in ihm. Beim Blick in den nächtlichen Himmel in seiner Ferne und Kälte will es „Fäden wirken“ und die Wolken menschlich machen, indem es all die „Schichten“, die sie aufweisen, zu sich herunter nimmt.

Und da gibt es noch ein „Du“. Auch das ein lyrisches Indiz von Leben, angesichts der steinern-historischen Welt. Das Ich will sie nicht für sich vereinnahmen, nicht mal „ihren Rahmen stören“. Es will, „Stiche“, die ihm in ihr begegnen, allenfalls „schwärzen“, um dem „Du“ wie in einem gemeinsamen „Augenschlag“, der sich darauf richtet, begegnen zu können.

Lyrische Impressionen einer Begegnung mit einem historischen Ort in Gemeinsamkeit mit einem anderen? Erfahrung eben dieser Gemeinsamkeit in ihrer Zeitlichkeit angesichts der Begegnung mit Stein gewordener Historie?
Man kann dieses Gedicht so lesen, - freilich wissend, dass man sich dabei im Ungewissen bewegt.
Wie schön wäre es aus diesem Grund, wenn man hier auf eine weitere Weise des Lesens und Verstehens dieses Gedichts stoßen würde.

Es wäre nicht nur schön, - es wäre bereichernd.

Ich verfolge diesen schönen thread jetzt seit ich bei Tamino angemeldet bin und genieße ihn sehr. V. a. an den Stellen, an denen die Werke der Lyrik mit den subtilen Ausdeutungen in einem wunderbaren Wechselspiel stehen.
Einen Zugang zur Lyrik zu finden, der dann auch noch in Worten Ausdruck finden soll, um ebendiesen Zugang vermitteln zu können: das ist ähnlich schwer, wie musikalische Eindrücke in Worte zu fassen. Versuchen möchte ich es dennoch:

Moritzburg

Beschwören will ich Kuppeln
und die grauen Farben
und aus den Blättern
Herzen bilden
wie ein Grab

Und Fäden wirken,
tausend Seiten binden
wie den Mond
und all’ die Schichten
von den Wolken nehmen

Doch keinen Rahmen will ich stör’n,
nur Stiche schwärzen
und uns

wie einen Augenschlag
erhör’n

Der Titel verrät dem Leser/Hörer den Ort "Moritzburg" überläßt ihn anschließend einer Szenerie an ebendiesem diesem Ort, der als solcher nicht weiter durch charakteristische Eigenschaften kenntlich gemacht werden soll. Es wird im Folgenden eine Szenerie imaginiert, der schöpferische Akt des lyrischen Ich wird ganz bewußt nicht nur als Ergebnis sondern als Akt selbst vor Augen geführt ("beschwören will ich"). Im Beisein des Lesers/ Hörers entsteht durch die Zeilen die imaginierte Welt gleichsam im Beisammensein von Schöpfer (Dichter) und dem Gegenüber, das man aufgrund des "uns" annehmen darf.

Die in der ersten Strophe vor dem Auge entfaltete Szenerie ist farblos und von Grau dominiert, maßgebliche Bedeutung wird Formen gegeben: auch die Blätter, deren natürlichste Eigenschaft ja ihre Farbigkeit (Grün- Gelb- und Brauntöne) ist, werden nicht in ihrer Natürlichkeit umschrieben, sondern werden als Form ("Herz") zusammengesetzt, freilich im tristen Kontext ("als Grab"). Doch wirkt die gedämpfte Eingangsstimmung dennoch nicht wie eine Szenerie der Traurigkeit, eher wie eine abendliche Ruhe.
Ab der zweiten Strophe wird der schöpferische Akt über Bilder aus dem Umgangs mit "textilen" Fäden umschrieben und dadurch gleichsam haptisch erfahrbar ("Fäden wirken", "binden" "Rahmen", "Stiche schwärzen" ist das Vokabular, das bei mir diesen Eindruck erweckt). Der dunklen Assoziation ("Grab"), auf die das Wirken des Ich eingangs noch hinzielte, wird nun das Lichte ("Mond") entgegengesetzt. Dies führt gleichsam in den Akt einer "Freilegung", Schichten werden von den Wolken entfernt, wie um in das Innere, den Kern dieser Wolken durchzustoßen?
Behutsam geht das "Ich" in all seiner Tätigkeit vor, es will nicht aus dem Rahmen, in dem sich sein "Wirken" bewegt, heraus, will die evozierte Szene nicht verlassen, Veränderungen des lyrischen Gewebes finden nur in diesem Rahmen, statt. In der abschließenden Kopplung der Wahrnehmungsbereiche "Sehen" und "Hören" wird zum ersten mal explizit das Gegenüber einbezogen: was ist aber der unhörbare Augenschlag, ist er der vorübereilende Augenblick angesichts des eingangs evozierten Historischen, der kaum wahrnehmbar verging?
Es mit dem Versuch des Verständnisses dieser letzten Zeilen auf die Spitze zu treiben, will ich hier nicht wagen, um klingsors Werk nicht noch mehr zu nehmen, als es durch meinen Verständnisversuch schon an Wirkung eingebüßt hat.

Daß meine Zeilen dem Gedicht nicht gerecht werden konnten, das ist mir klar, und sollten meine Assoziationen nun gänzlich an der Gedankenwelt des Autors vorbeigehen, so möge man nachsichtig sein. Mit der Niederschrift ist der Text dem Zugriff des Autors entzogen und steht den Gedankenwelten der lesenden oder hörenden Personen offen (daß ich bei Schichten nun gleich an eine "Freilegung" denke, ist beispielsweise ein Zugang, der durch meine berufliche Tätigkeit geprägt ist). Daß diese in der Regel nicht mit derjenigen des Autors identisch sind, führt zwangsläufig zu unterschiedlichen Lesarten, ob die meinige bereichernd ist – ich weiß es nicht ... klingsors Gedicht ist es allemal.

Mit herzlichem Gruß
JLang

Kurz habe ich darüber nachgedacht, ob ich auf den Beitrag von JLang, das Gedicht „Moritzburg“ betreffend, in Form einer Stellungnahme dazu reagieren sollte, ist dieser doch hinter den meinigen zu eben diesem Gedicht gesetzt, - ohne freilich Bezug darauf zu nehmen.

Ich bin abgekommen davon. Ich denke, dieser Thread sollte das bleiben, was sein Initiator damit beabsichtigte: Einen Ort der Präsentation von moderner Lyrik in dieses Forum zu stellen.
Was nun, aus meiner Sicht, wiederum zur Folge haben muss, dass man ihn nicht in der üblichen Internet-Forums-Manier dialogisch verhackstückt. Mehr und mehr werde ich dieses Forums-Geredes müde, halte es allzu oft – gerade nach meinen jüngsten diesbezüglichen Erfahrungen - für unergiebig und wenig erfreulich und bin gerade dabei, mich endgültig daraus zurückzuziehen.
Ich wäre aus diesem Grund dankbar, wenn man diesen kurzen Beitrag einfach kommentarlos zur Kenntnis nähme.

Natürlich werde ich immer wieder einmal, und zwar dann, wenn mich ein Gedicht klingsors angesprochen hat, dazu ein paar Worte hier einstellen. Allein schon deshalb, weil sein lyrisches Schaffen es verdient hat, in diesem Forum beachtet, rezipiert, in seiner Qualität wahrgenommen und kommentiert zu werden. Einen Dialog darüber möchte ich allerdings aus den genannten Gründen nicht führen.

Es gilt aber mein obiges Bekenntnis, dieses Gedicht und alle anderen betreffend: Es wäre schön, wenn man hier auf möglichst viele Weisen des Verständnisses dieser Lyrik stoßen würde. Es wäre nicht nur schön, - es wäre bereichernd.

Nur ein ganz spontaner Eindruck von der Rezeption moderner Lyrik:

Gerade habe ich die beiden letzten Gedichte von klingsor gelesen. Sie stammen beide aus dem gleichen Jahr, 2007 nämlich, und sind doch so sehr verschieden in ihrer lyrischen Sprachlichkeit und Metaphorik. Das Gedicht "Noch einmal" vermag mich unmittelbar anzusprechen, beim anderen aber, "Pietà" , will das nicht gelingen.
Ich habe mich gefragt, woran das wohl liegen mag. Und ich denke: Es liegt an der Stimmigkeit und dem inneren Kontext der lyrischen Bilder. Beim Gedicht "Noch einmal" stimmen alle Bilder zusammen, gehen in ihrem evokativen Potential in die gleiche Richtung und werden sprachlich - wie in Gestalt eines Leitmotivs - durch die Überschrift zusammengehalten.

Beim Gedicht "Pietà" will mir diese Leseerfahrung nicht in gleicher Weise gelingen. Metaphorische Disparität und Divergenz hindern mich daran. Aber das ist natürlich, wie oben bedeutet, ein ganz und gar subjektiver Eindruck.

Zitat von klingsor

Schlehenende

Zitat von klingsor

Warten,
gewogen als Hain

Schönes Gedicht. Nur der letzte Satz, musste der mit? Mir hätte es ohne den besser gefallen.

Allerdings: nicht zu ernst nehmen, hier spricht ein Laie.

Zitat von klingsor

für mich ist es runder und bezieht sich inhaltlich und vom reime her auf die ersten ebdien zeilen.

Richtig, das hatte ich übersehen. Das ergibt einen etwas anderen Fokus.

Ich stimme mit hami1799 völlig überein, was die Bewertung dieses Gedichts "Schlehenende" von klingsor anbelangt ("Schönes Gedicht"). Zu seinem Einwand, den Schluss betreffend, vielleicht dieses:
Das Gedicht weist eine Art lyrisch sprachlichen Rahmen auf, den Vers "Doch von Dir wußt’ ich nichts,"
Innerhalb dieses Rahmens entfalten sich höchst expressive lyrische Bilder, die allesamt einen Naturbezug aufweisen und darin in einem Zusammenhang stehen. Das macht dieses Gedicht so gut!. Allesamt stehen sie lyrisch-sprachlich im Konjunktiv.
Der Schluss aber ist genau aus diesem Grund in dieser Form notwendig. Er ist in seiner indikativischen Gestalt eine Art Reaktion auf diese vielen Konjunktive, - er will sagen, warum das so ist, was sich nicht ereignet hat.
Das lyrische Ich fühlt sich wie naturhaft als "Hain" gewogen, - weitab von der Welt der Schlehen.

(Schön, wenn einen ein solcher Beitrag wie der von hami in diesem Forum zum Nachdenken und genaueren Lesen anregt)

Lieber Helmut,

schön, dass Du Dich hier eingeblendet hast. Es ist immer interessant, Deine Analysen zu lesen.

Mir ist es erst nach Klingsors Entgegnung aufgefallen, dass die letzten 2 Zeilen zur Balance des Gedichts nötig sind. Ich hatte mich einzig auf die Intensität des "Doch von dir wusst´ ich nichts" konzentriert und da hätte die Verdoppelung als Schlusszeile gepasst.

Meine Kenntnisse über die Technik der modernen Lyrik sind aber leider gleich Null und ich muss mich daher mit dem intuitiv Gefühlten begnügen.
Vielleicht habe ich das Gedicht auch nicht verstanden. Meine Deutung war jedenfalls, dass es ein spätes, vielleicht zu spätes, Bedauern ausdrückt, wo die nicht stattgefundene Begegnung das Hauptthema ist und die wehmütigen Auslassungen über versäumte Naturerlebnisse dieses Bedauern verstärkt.